01. 그래픽 기보법과 그래픽 악보

오선, 음표, 쉼표가 전혀 보이지 않아도 악보는 음악 정보를 연주자에게 전달할 수 있음. 예시 1의 색·선·도형은 전통 기보와 다른 방식으로 연주 가능성을 제시함.

예시 1. Henrik Colding-Jørgensen, 《Museik No. 10》(1979).

그래픽 기보법은 악보를 만드는 고정 규칙을 거의 두지 않음. 추상 도형, 선, 이미지, 무늬, 색, 문자까지 무엇이든 기보 요소가 될 수 있음. Malcolm Goldstein은 이를 장식이 아니라 연주자에게 작곡 생각과 연주 가능성을 전하는 데 필요한 수단으로 보았음.

전통 기보처럼 읽는 법이 미리 정해져 있지 않으므로 그래픽 악보를 해석할 때는 미적 상대주의와 불확정성의 관점이 필요함. 먼저 이런 기보가 생겨난 역사부터 살펴봄.

그래픽 기보의 간략한 역사

그래픽 기보가 본격적으로 나타난 시기는 20세기이지만, 음악을 시각적 형상으로 꾸미려는 시도는 르네상스까지 거슬러 올라감. 독일어 Augenmusik, 곧 ‘눈 음악’은 전통 오선 기보를 쓰면서도 악보의 모양을 바꾸어 연주자에게 상징적 의미를 더하는 방식임.

오선의 형태를 바꾸어 생각이나 개념을 그림처럼 드러내면 표의도상(ideogram)이 됨. 이런 악보도 넓게 보면 그래픽 악보이지만, 시각적 상징이 실제 소리나 연주법을 바꾸지는 않는다는 점에서 뒤의 그래픽 기보와 구별됨.

15세기 프랑스 작곡가 Baude Cordier의 론도 《Belle, Bonne, Sage》는 사랑 노래의 악보를 하트 모양으로 꾸민 대표 사례임.

예시 2. Baude Cordier, 《Belle, Bonne, Sage》.

예시 3은 이 곡을 현대 오선 기보로 옮겨 악보와 함께 들을 수 있도록 만든 영상임.

예시 3. Dr. Jordan Alexander Key가 제작한 《Belle, Bonne, Sage》 애니메이션 연주.

John Dante Prevedini는 코로나19 유행으로 사람들이 실내에 머물며 소셜 미디어 활동을 늘리던 2020년에 《Selfie》를 발표했음. 그는 소셜 미디어가 듣는 곳보다 보는 곳에 가깝다고 판단하고, 온라인 관객에게 시각적으로 다가갈 악보를 구상했음. 음표와 오선으로 자신의 얼굴을 그린 예시 4가 그 결과임.

예시 4. John Dante Prevedini, 《Selfie》(2020).

이 악보는 박절을 표시하지 않는 무박적 기보를 사용함. 관련 개념은 20세기 리듬 기법에서 다룸.

예시 5. 작곡가가 연주한 John Dante Prevedini의 《Selfie》.

20세기 초 음악이 복잡해지면서 기존 서양 기보만으로는 작곡가가 원하는 소리를 충분히 적기 어려워졌음. Gustav Mahler는 종래 기호로 담기 힘든 뜻을 긴 글 지시로 보충했고, Arnold Schoenberg는 말하듯 노래하는 Sprechstimme를 X자 음표머리로 나타냈음.

Henry Cowell(1897–1965)은 특히 전통 리듬 기보의 한계를 문제 삼았음. 《New Musical Resources》(1930)에서 음가가 다른 음표를 삼각형·마름모꼴처럼 새로운 머리 모양으로 구별하자고 제안했고, 1922년 작품 《Fabric》에서 이를 실제로 사용했음.

예시 6. Henry Cowell, 《Fabric》 마디 10–12.

네모 음표머리는 한 마디를 아홉으로 나누는 9분음, 삼각형은 한 박을 셋으로 나누는 3분음 곧 셋잇단음, 마름모꼴은 한 마디를 일곱으로 나누는 7분음을 나타냄.

20세기 중반에는 그래픽 요소가 더욱 널리 쓰였음. Morton Feldman은 1950년에 전통 기호를 거의 쓰지 않는 초기 그래픽 악보 가운데 하나인 첼로 독주곡 《Projection 1》을 작곡했음.

예시 7. Helmut Menzler가 연주한 Morton Feldman의 《Projection 1》.

이 악보는 왼쪽에서 오른쪽으로 읽고, 각 칸은 ♩=72에서 약 네 박 동안 이어짐. Feldman은 하모닉스·피치카토·아르코라는 세 음색을 구분했지만, 높은·가운데·낮은 음역 안의 실제 음높이는 연주자가 자유롭게 고르게 했음. 당시에는 이처럼 연주자에게 넓은 선택권을 주는 방식이 매우 급진적이었음.

불확정성과 John Cage

그래픽 악보와 20세기 음악을 이해하려면 불확정성을 함께 보아야 함. 불확정성 음악은 작품의 일부를 연주자나 우연에 맡김. 동전 던지기나 주사위처럼 무작위 절차를 쓰는 우연성 음악뿐 아니라 연주자가 즉흥으로 선택하는 경우도 여기에 들어감.

John Cage(1912–1992)는 불확정성을 작곡 방식이자 음악관으로 발전시켰음. 일부러 모호하게 적은 악보를 연주자가 공연 때마다 실현하도록 했기 때문에 같은 작품도 연주 결과가 크게 달라질 수 있음. 전통 오선 악보의 연주가 빠르기나 셈여림에서 작은 차이를 보이는 것과는 정도가 다름.

Cage의 《4′33″》은 악기와 연주자 수를 제한하지 않으며, 세 악장 전체에서 모든 연주자가 tacet, 곧 침묵하도록 지시함. 공연 시간은 4분 33초지만 공연장에서 완전한 무음은 생기지 않음. 관객의 움직임과 숨소리, 기침, 전화 소리, 야외의 환경음이 매번 다른 음악적 사건을 만듦.

예시 8. Berliner Philharmoniker의 John Cage 《4′33″》 연주.

“할 말이 없지만, 나는 그것을 말하고 있으며, 이것이 내게 필요한 시임.” — John Cage

지시문 없는 그래픽 악보 해석하기

그래픽 악보의 아름다움을 하나의 보편 기준으로 재단하기 어려움. 미적 상대주의는 아름다움에 대한 판단이 개인과 문화에 따라 달라진다고 봄. 낯선 악보를 보자마자 가치가 있거나 없다고 단정하지 말고, 열린 태도로 소리와 그림의 관계를 살펴야 함.

지시문이 거의 없는 악보에서는 연주자가 그림을 소리로 옮기는 방식을 정함. 해석에 하나의 정답은 없지만 아무 근거 없이 연주해도 된다는 뜻은 아님. 색·모양·크기 가운데 무엇을 어떻게 들었는지 설명할 수 있어야 함.

시간을 적지 않았다면 흐름을 어떻게 만들지, 음높이와 리듬을 어느 방향으로 읽을지 먼저 정함. 셈여림·아티큘레이션·음색을 도형과 어떻게 연결할지도 생각함. 악보에 글자가 있다면 소리 내어 읽을지, 음향 동작으로 바꿀지도 판단해야 함.

예시 9. Henrik Colding-Jørgensen, 《Museik No. 10》(1979).

이 작품은 연주자 수와 악기 편성이 정해져 있지 않음. 선명한 색과 추상 도형을 위에서 아래로 읽을지, 왼쪽에서 오른쪽으로 읽을지, 반대 방향이나 다른 경로로 읽을지 연주자가 선택함. 도형과 색 사이의 관계도 연주 과정에서 세워야 함.

예시 10에서는 현대음악 앙상블 Alarm Will Sound가 악보와 연주 장면을 번갈아 보여 줌. 연주자들이 도형을 어떤 행동과 소리로 바꾸는지 따라가며 자신의 해석과 비교해 봄.

예시 10. Alarm Will Sound의 《Museik No. 10》 연주와 애니메이션 악보.

지시문이 없는 그래픽 악보는 서로 다른 해석을 여러 가지 타당한 연주로 받아들일 수 있다는 데 특징이 있음.

예시 11은 Kyong Mee Choi의 《Conceptual View of Worlds I》(2002) 9쪽임. 피아노·첼로·클라리넷·트럼펫·큰북의 다섯 파트로 편성이 정해져 있음.

예시 11. Kyong Mee Choi, 《Conceptual View of Worlds I》(2002).

오선·음자리표·셈여림처럼 전통 기보 요소와 구불거리는 선·추상 도형 같은 그래픽 요소가 함께 나타남. 이런 악보를 혼합 악보(hybrid score)라고 함.

악기마다 가로 공간을 나누고 초 단위로 사건을 배치해 《Museik No. 10》보다 시간 흐름을 더 구체적으로 정했음. 다만 초를 고르지 않은 묶음으로 나누기 때문에 무박적인 느낌이 남음. 이와 같은 시간축 기보는 20세기 리듬 기법에서도 다룸.

지시문 있는 그래픽 악보 해석하기

작곡가는 그래픽 악보에 자세한 설명이나 간단한 지침을 덧붙이기도 함. 지시가 촘촘할수록 연주 결과의 범위가 좁아지고, 느슨할수록 연주자의 선택이 늘어남. 지시문이 있다면 먼저 그 범위 안에서 그래픽 요소를 해석해야 함.

Dimitris Maronidis의 《Constellation》(2002)은 피콜로 네 대, 오보에 세 대, D조 트럼펫, 하프, 첼레스타, 피아노, 종, 매단 금속판 세 개를 위한 약 5분 길이의 작품임.

지휘자는 이 작품의 작곡가 역할도 맡음. 전체 소리의 밀도·강도·공간 이동을 정하고, 각 연주자는 지휘 신호에 따라 하나의 자유로운 동기를 즉흥 연주함. 모든 즉흥 프레이즈는 F♯로 돌아와야 함. 마지막에는 전 음역의 C장3화음을 가능한 fff로 울린 뒤 20초 동안 서서히 사라지게 하고, 소리가 완전히 멎으면 약 15초 동안 움직이지 않음. 첫 부분은 스펙트럼이 펼쳐지는 수정 같은 음향 세계로, 두 번째 부분의 장3화음은 작품의 끝을 알리는 단단한 음향 덩어리로 들려야 함.

예시 13. Dimitris Maronidis, 《Constellation》(2002).

Julien Monette의 《Ballade》(2024)는 피아노와 고정 매체를 위한 작품임. 연주자는 스피커 두 대 이상을 준비하고, 고정 매체를 재생하는 순간 초시계를 시작해 피아노와 매체의 시간을 맞춤.

예시 15. Julien Monette, 《Ballade》 연주 지시.

작품은 고정 매체의 음색 변화에 피아노가 반응하는 열한 구역으로 이어짐. 각 리허설 문자는 해석 방향을 알려 주는 문장을 동반함. A에서는 어느 옥타브에서든 음을 자유롭게 연주하되 음높이·음역·지속시간을 그래픽에서 선택함. B에서는 선을 따라 느리고 으스스한 선율과 반주를 즉흥 연주하므로 음높이·리듬·화성·짜임까지 더 넓게 결정함. J가 끝나면 크게 적힌 END라는 표현 지시를 따라 자신이 알맞다고 판단한 방식으로 곡을 마침.

예시 16. Julien Monette, 《Ballade》 6쪽 일부(2024).

아래 시간축은 4초마다 고르게 나뉨. 예시 17의 4분 36초부터 들으면 예시 16의 구간을 확인할 수 있음. 그래픽과 지시문이 실제 음향에서 어떻게 만나는지 비교해 봄.

예시 17. Julien Monette의 고정 매체와 Jonathan Martin의 피아노로 연주한 《Ballade》.

Malcolm Goldstein의 《Jade Mountain Soundings》(1983)은 활을 쓰는 현악기 독주곡임. 앞선 예보다 지시가 길고 구체적이며, 음색과 연주 동작의 관계를 세밀하게 정함.

예시 18. Malcolm Goldstein, 《Jade Mountain Soundings》(1983).

예시 19. Malcolm Goldstein, 《Jade Mountain Soundings》 연주 지시.

연주는 활을 그어 소리를 만드는 신체 감각과 음질·음색의 변화를 중심에 둠. 선의 굵기와 굽이는 활의 압력·속도·접점을 나타내며, 각 선은 호흡처럼 이어지는 레가토 프레이즈로 다룸.

연주 전에 작품 전체에서 쓸 네 음을 정하고 각 음의 실제 음역을 고정함. 로마 숫자 I·II·III·IV는 높은 현부터 낮은 현까지를 가리킴. 같은 실제 음높이를 유지할 수 있다면 자연 하모닉스와 인공 하모닉스도 쓸 수 있음.

선을 따라 다음 로마 숫자에 닿을 때까지 한 음을 한 활로 지속함. 숫자에 닿으면 활 방향을 부드럽게 바꾸고 다른 음을 고르며, 같은 음을 다른 현에서 연주해도 됨. 지속시간은 숫자 사이 선의 길이에 비례하고, 1인치를 약 3–5초로 삼되 연주자의 활 조절 능력에 맞춤.

음 선택은 즉흥으로 이루어짐. 한두 음을 한동안 되풀이해도 되고 활을 바꿀 때마다 음을 바꿔도 됨. 셈여림은 ppp부터 f 사이에서 즉흥으로 정하되 지나치게 크게 연주하지 않음. 활 압력·속도·비브라토가 음높이와 소음의 비율을 바꾸므로 각 음마다 고유한 음질을 만들도록 탐색함.

굵은 선은 압력을 더 주거나 활을 느리게 긋고, 가는 선은 압력을 덜 주거나 빠르게 긋는 방향을 제시함. 필요하면 활 길이와 지속시간에 맞춰 반대로 해석할 수도 있음. 선 굵기가 갑자기 또는 서서히 변하는 모양은 활 압력과 속도의 변화를 그대로 따라가도록 함. 가장 굵은 선에서는 음높이가 들리는 범위 안에서 소음의 경계까지 압력을 높임.

선의 굽이는 브리지 위부터 지판 위까지 활의 접점을 움직이는 정도와 속도를 나타냄. 완만한 굽이는 미세하게, 급한 굽이는 빠르고 크게 옮기되 레가토를 유지함. 필요하면 활대 사용이나 비브라토 변화로도 보조 해석할 수 있음.

긴 선은 몇 분 동안 이어질 수 있고 한 음을 30초가량 한 활로 지속할 수도 있음. 선이 끊긴 빈 공간은 프레이즈 사이의 침묵으로 읽음. 어느 선의 어느 쪽 끝에서든 시작할 수 있고 반대 방향으로 다시 읽을 수도 있음. 선이 교차하면 다른 선으로 옮겨 새 프레이즈를 만들 수 있음.

같은 선을 되풀이할 수는 있지만 앞의 소리를 그대로 복제하거나 고정 무늬를 만들기보다 매번 새로운 음질과 음색을 찾음. 전체 길이는 연주자가 정하되 10분보다 짧게 끝내지 않음.

예시 20은 앙상블 Extradition의 연주임. 악보와 지시를 함께 보며 선의 굵기·굽이·빈 공간이 음색과 시간으로 어떻게 바뀌는지 들음.

예시 20. Extradition이 연주한 Malcolm Goldstein의 《Jade Mountain Soundings》.

시간 측정과 혼합 악보

그래픽 악보는 마디와 박자표 대신 초를 적어 시간을 나누기도 함. 시간축 기보에서 초 간격은 고르게 놓을 수도 있고 고르지 않게 묶을 수도 있음. 《Ballade》는 4초씩 고르게 나누지만 《Conceptual View of Worlds I》은 3초와 6초 묶음을 섞음.

시간의 진행 방향이나 간격을 전혀 제시하지 않으면 자유박(free time)으로 연주함. 《Museik No. 10》은 자유박 그래픽 악보임.

전통 서양 기보와 그래픽 기보를 함께 쓰면 혼합 악보가 됨. 《Belle, Bonne, Sage》, 《Selfie》, 《Fabric》, 《Conceptual View of Worlds I》은 두 체계가 섞이는 비율과 방식이 서로 다름. 어떤 작품은 오선 기보가 중심이고, 어떤 작품은 그래픽이 중심이며, 두 요소가 비슷한 비중을 차지하기도 함.

마지막 예시는 Maxwell Tfirn의 《Unstable Revolutions》(2019)임. 다섯 오선의 전통 음표와 고정 매체를 나타내는 파형 모양 선이 한 악보에 놓임.

예시 21. Maxwell Tfirn, 《Unstable Revolutions》(2019).

예시 22는 Fifth Bridge Electro-acoustic Trumpet Ensemble의 연주임. 3분 15초부터 예시 21 구간이 시작됨. 시간 표시는 3′24″–3′29″가 5초, 3′29″–3′37″이 8초여서 고른 박절 격자를 만들지 않음. 오선·음자리표·음표머리와 컴퓨터 파트를 나타내는 그래픽 선이 함께 움직이는 점을 확인함.

예시 22. Fifth Bridge Electro-acoustic Trumpet Ensemble이 연주한 Maxwell Tfirn의 《Unstable Revolutions》.

참고 문헌

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온라인 자료

Graphic Notation: a Brief History of Visualizing Music
Graphic Scores — Birmingham Contemporary Music Group
The Joy and the Challenge of Graphic Scores
Making a Graphic Score
What are Graphic Scores?

작곡가와 연주자 웹사이트

매체 출처

《Museik No. 10》 — Henrik Colding-Jørgensen, CC BY-SA 4.0.
《Belle, Bonne, Sage》 — Wikimedia Commons, Public Domain.
《Selfie》 — John Dante Prevedini, CC BY-SA 4.0.
《Fabric》 — IMSLP, Public Domain.
《Constellation》 — Dimitris Maronidis, CC BY-SA 4.0.

주

작곡가의 허가를 받아 사용함. 비상업적 복제와 연주는 자유롭게 허용됨.
Malcolm Goldstein, Zach Gist와의 인터뷰, 2025년 6월 25일.
Thurston Dart, “Eye Music,” Grove Music Online.
작곡가의 허가를 받아 사용함.
John Dante Prevedini, “How Audiences See the World,” Classical Music Daily, 2020년 12월.
Kevin D. Lewis, “A Historical and Analytical Examination of Graphic Systems of Notation in Twentieth-Century Music,” MM thesis, University of Akron, 2010.
Henry Cowell, New Musical Resources, 1930, 49쪽.
같은 책, 56쪽.
Lewis, “A Historical and Analytical Examination,” 20쪽.
Morton Feldman, Projection 1, C. F. Peters, 1950년 작곡·1961년 출판, 1쪽.
James Pritchett, Laura Kuhn, Charles Hiroshi Garrett, “Cage, John (Milton, Jr.),” Grove Music Online.
같은 글.
작곡가의 허가를 받아 사용함. 비상업적 복제와 연주는 자유롭게 허용됨.
Henrik Colding-Jørgensen은 정해진 옳은 연주법이 없으며, 연주자와 앙상블이 스스로 해석법을 찾고 신뢰 관계를 세워야 한다고 설명함. Theresa Sauer 편, Notations 21, 54쪽.
작곡가의 허가를 받아 사용함.
Kyong Mee Choi는 악보에 그래픽 차원을 더하면 창의성과 작품 고유의 개성을 드러낼 여지가 생긴다고 설명함. Notations 21, 53쪽.
작곡가의 허가를 받아 사용함.
작곡가의 허가를 받아 사용함.
작곡가의 허가를 받아 사용함.

Graphic Notation and Scores – Open Music Theory

Open Music Theory is a natively-online open educational resource intended to serve as the primary text and workbook for undergraduate music theory curricula.

https://viva.pressbooks.pub/openmusictheory/chapter/graphic-notation-and-scores/

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